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B: read _ 第三道門

2019-11-07
  「我的人生究竟要幹什麼?」   你曾經問過自己這個問題嗎?你又得到什麼回答呢?   『人生、事業、成功….就像是夜店。永遠都有三個不同的方式可以進入。 你可以走第一道門:大門,長長人龍排至轉角不見首不見尾,也是大多數人等候希望可以進入的入口。 或是第二道門:貴賓入口,只有富商名流有錢有勢的人才能進入的。  不過,沒人告訴你的是,其實永遠、永遠都有…第三道門可走。 這是一道你必須衝出現有隊伍,奔進巷子裡,狂敲大門100次,撬開窗戶,偷偷潛入廚房,自己創造的門。  不論是比爾蓋茲或是史蒂芬史匹柏,他們都是走…第三道門。』- 艾力克斯‧班納揚    「我的人生究竟要做什麼?」  為了尋求這個問題的答案,一個18歲的青年艾力克斯‧班納揚踏上最瘋狂的探索之旅。     他想知道:19歲就創業的比爾蓋茲是怎麼踏出他的第一步?被電影學院拒絕的史蒂芬史匹柏是怎麼成為好萊塢影始上最年輕的導演? 19歲在餐廳做服務生的Lady Gaga是怎麼簽下她的第一張唱片合約?    當這些人默默無名時,他們究竟是怎麼開拓他們的事業? 在翻過無數本關於這些名人的書後,一個想法閃過他的腦袋:「如果沒有人寫我想要知道的內容,不如我自己來寫吧!」 一個天真的想法迅速轉換成一個「使命」。一個為了他的世代解密全球知名人士的非典型成功之道的任務。 這個使命讓艾力克斯踏上找尋「第三道門」的旅途。    也是這本書吸引我一同踏上這個旅程的開場白。      艾力克斯的探索之旅同電影般的精采: 為了籌錢完成使命他花兩個晚上研究益智電視節目的規則,結果還真讓他贏到大獎。 為了得到有力建議,他跟剛認識的人跑了歐洲一圈,還引起家庭革命。 為了訪問到股神巴菲特他想辦法混入年度股東會議最後還被列為黑名單。 想要接近最富盛名的王牌主持人賴瑞.金最後卻在超市像瘋子一樣的追著他跑。 為了讓出版計畫順利進行,他決定背棄父母的期望,自行休學。     這本書最精采的地方不只是在於他最後真的達到他的使命訪問到比爾蓋茲、Lady Gaga、賴瑞金、潔西卡.艾巴、珍.古德等重量級知名人士,分享他們的智慧和經驗,而是艾力克斯如何在一連串拒絕和無數挫敗和的過程中仍然堅持前進而不放棄。   這本書中有太多令人受用的真理和學習,但令我印象深刻的一段話是在這本書的尾聲,當他經歷了許多的不可能和可能後,他領悟到每個人都有能力做出可以改變自己一生的小選擇。是我們選擇而不是能力表現出我們真實的自我。你可以屈服於慣性,持續在第一道門外排隊,或你可以選擇跳離隊伍、奔進巷子裡,找尋第三道門。    我們都擁有那個選擇。    當他在訪談節目中被問到:「你想對世界造成什麼樣的影響?」 他說:「這一切回到18歲我開始這個使命時寫在紙上的一段話 – 我想要啟發讓人們相信一切都是可能的。」 如果你也在改變的道路上,在追尋夢想的道路上,在嘗試將不可能變成可能的道路上,那這本書你非讀不可。   第三道門 : 比爾蓋茲、女神卡卡、賴瑞金、提摩西費里斯、珍古德等大咖的非典型成功,給拒當乖乖牌、不是富二代的你勇敢逐夢 博客來

良人良事 _ Wes Anderson

2019-11-07
  「你必須找到一件你熱愛的事,並用一輩子去做那件事」– <<出自:都是愛情惹得禍Rushmore 中台詞>>   如果你是個極度欣賞獨具個人風格、又熱愛研究電影美學的影迷,那你就不可能不知道 魏斯安德森 (Wes Anderson) 這位名導。   他極具個人風格,不論是在影像的呈現方式、色調、場景設定或是角色設定、腳本到對話,你只要看到就會知道是Wes Anderson的電影。     Wes Anderson的美學可以這麼總結: – 獨具特色和超乎想像的細節 – 刻意呈現看似簡單但卻複雜的美感 – 可能是唯一可以掌控大幅度色調轉變的當代導演 – 超現實的電影節奏 電影結合劇場的製作 最重要的 – 近乎偏執的對稱美學 & 細節掌控 (Wes Anderson的商標) 他就是一個美感很好有置中強迫症的細節控。     簡單來說,Wes Anderson的風格就是Wes Anderson他本人。一個努力工作、心思細膩沉浸於自我想像世界的人。他的視覺呈現是他自己的心理世界的延伸。透過視覺,他以更精緻的方式從他所設定的角色來呈現他的獨特性格和世界觀。   Wes Anderson就像是一個保有赤子之心的大人。他曾在受訪時說到,對於一個12歲的孩童來說,任何浪漫的氛圍,都像是進入一個幻想的世界。他保有孩子的想像力和好奇心,以一種新的觀看視角帶著我們以一種更幽默趣味的視點,看待這個世界。他的奇想式電影風格大多天馬行空、非比尋常。而他的電影人物大多是偏離主流價值的「怪胎」。       所以,Wes Anderson的電影幾乎都在描寫一種怪胎的世界。   「色調」更是Wes Anderson電影中不可或缺的重要元素。Wes Anderson運用許多不同的顏色搭配在他的電影中,每一個畫面都有其獨特、預設的色調組合;魏斯安德森的調色盤與他的執導風格都是建構他電影的重要手法。       “顏色"可以誘發觀眾的情緒,而根據你如何混搭顏色、搭配周遭景象的配置和這個場景的情緒基調,一樣的顏色可以連結不同的情緒狀態。它可以是柔和的棕色、黃色或紅色調,或也可以是明亮、高飽和度的顏色,依照他所想要刻劃的氛圍或年代。他精準的利用顏色呈現出電影中的所有物件包括了天空、建築物以及不同裝扮的角色人物。     良面的「良人良事」為什麼要分享他呢?   第一,單純非常欣賞他的電影,不論是故事情結、拍攝手法、畫面呈現方式,總是能讓人一看在看,因為他對每個畫面所呈現的細膩度讓每次觀看都會有新發現。   第二,他的獨特世界觀。一個擁有孩童觀感的成人。他的作品保有孩童般的想像、純粹、喜悅的想像空間,同時也有現實世界的沈重與荒誕,令人反思的同時讓我們從全新的視角看待這個世界。   第三,說故事的能力。他有非常明確想要表達的觀點和訊息,因此能精準的架構出一個世界來呈現他的故事。   Wes Anderson有太多我們可以學習的地方。他的美感、他的堅持、他的細膩、他的專注、他的想像、他的赤子心,還有他的置中強迫症。     對他有興趣的人可以去追蹤下方他的幾部電影: * 都是愛情惹的禍 Rushmore * 天才一族 The Royal Tenenbaums * 大吉嶺有限公司 The Darjeeling Limited * 超級狐狸先生 Fantastic Mr. Fox * 月升冒險王國 Moonrise Kingdom * 歡迎來到布達佩斯大飯店 The Grand Budapest Hotel 犬之島 Isle of Dogs     如果近期有要去米蘭的話 (小編也好想去),還可以去Wes Anderson替Prada藝術基金會設計的Bar Luce坐坐,體會走進他電影場景裡的感覺。坐在這充滿50-60年代義式復古情懷的咖啡酒吧中,說不定會激發出什麼厲害的創意喲💙💙💙。  

良人良事 _ Rocky Sylvester Stallone 洛基 席維斯史特龍

2019-10-28
  「夢想是免費的,難的是維持讓它持續前進。但一定要持續相信。我們在這只有一個單純的目的,讓我們所有的夢想成真。」     1976年上映的「洛基」是部經典美國夢的電影,敘述一名潦倒無名的拳手奮力一搏對戰世界拳王的故事。這部當初上映不被看好的低成本製作,僅僅花費100萬美元和28天拍攝的電影,意外獲得全球2億2千5百萬美元的票房,成為1976年票房最高的電影,獲得10項奧斯卡提名,並領走其中3個小金人。 這部經典很多人看過,但或許都不知道它背後的故事。     這部電影其實是飾演洛基一角席維斯史特龍當時的人生寫照。夢想在電影領域發展的他不斷的受到挫敗,沒人想要用他,他窮困到連最愛的狗都養不起,最後只能低價賣給一個路人。在這人生最低潮的時候他偶然間觀看了世界拳王阿里與拳手查克. 溫柏的拳賽轉播,看到白人拳手查克出乎意料的擊倒拳王阿里德瞬間獲取靈感,視之為全力以赴不向人生低頭的隱喻。這激發他在3天後創作出「洛基」的腳本。       然而推廣腳本也不如預期的順遂,在歷經多次拒絕後終於有一家電影公司表示他們極度有興趣想要購買,但史特龍的附加條件是:他必須飾演洛基一角。製片公司開始加碼他們的開價到36萬美元,前提是他不演洛基。這個金額對當時窮困的他來說簡直是天價。但他還是決定相信自己的直覺,堅持這角色非由他飾演不可。   最終,電影公司連帶劇本共才付了他3萬5千美元讓他飾演洛基,讓他一起承擔風險。他花了其中的1萬5去買回他的狗,還讓之前買他愛狗的那個人在電影中嘎一角。     這是一個不向生命困境低頭,不放棄夢想奮力向前而成功的真實故事 不要放棄,相信自己可以完成夢想  

良人良事 _ Marina Abramovic

2019-10-25
  什麼是行為藝術?   依照行為藝術教母瑪莉娜·阿布拉莫維奇 (Marina Abramovic) 的解釋,她說:「表演者用身體和心靈建構的狀態,在某一個時間、空間中呈現在觀眾面前,然後彼此會有 “能量對話” 的發生。」 這是個由觀眾與表演者一起創作出作品的藝術型態。     行為藝術對大部分人來說是個陌生的名詞,談到總是被認為十分前衛或備具爭議。因為這些藝術作品不是一幅畫或一座雕像,而是需透過藝術家用自己身體的行為和觀眾的互動來表現他們所要傳達的創作概念。   現年已73歲的Marina,從事行為藝術40年,從70年代開始就創作了許多行為藝術的指標作品,在藝術界頗有聲望。 然而直到2010年在紐約當代藝術館MoMa的表演「藝術家在現場 The Artist is Present」 才將她帶進主流市場,吸引了大量民眾,甚至明星前往參觀。     這個作品的概念非常簡單;在MoMa二樓大廳畫出一塊空間,中間擺著一張桌子和兩張椅子,Marina座在其中一張,對面放著一張空椅。 當觀眾坐於她對面的椅子上時,她就會全神關注的寧試著坐在她對面的這個人。沒有時間限制,你想要坐多久都可以。場地的四周都有打光,全程都有錄影機和攝影機記錄這個過程。 這是個為期三個月的展覽,Marina每天從開館做到閉館,全程不離開她的座位。平日要座8小時,假日隨著閉館時間延長要座10小時。   當她最初有這個想法與策展人討論時,策展人告訴她:「Marina,這裡是紐約,沒有人有時間坐在你對面。」但從開展,每天都有無數人排隊想要座在Marina的對面與她對望。還有很多人連夜打地舖在美術館外就是為了能坐上那張椅子。     許多坐上那張椅子的人會不自覺的開始流淚。   為什麼看似如此簡單的行為卻產生了如此大的反應? 為什麼這麼多人想要參與這項行為藝術展演?     這看似簡單的行為喚起了人們內心深處最深的渴望 – 與人之間的連結 因為科技,人與人之間的關係變得更疏遠、更孤單,也更渴望連結。因為不能言語,因此更需要全神貫注的去感受對方。 當你坐上那張椅子,你被Marina注視著,同時也被還在排對的群眾注視,你被燈光、攝影師和人們包圍,你無處可去除了往自己的內心深處。 社會形態的轉變和科技的發達不只造成我們與他人的疏遠,也疏離自己內心最真實的感受。     這三個月716小時與超過1000個陌生人的對望改變了Marina,也改變了許多人對於行為藝術的觀感。Marina成立了一個研究所,致力於發展和呈現非物質的藝術型態。 真正的藝術會與觀者產生深度對談和激發深入的情緒感受。簡單的概念和100%的專注力更能傳遞重要的訊息。   簡單其實是最困難執行的。   試著全神專注與一個人對望兩分鐘你就知道有多難了。   Marina Abramovic的「藝術家在現場 The Artist is Present」    

良人良事 _ Joshua Coombes

2019-10-25
「這是關於嘗試讓被社會邊緣化的人重新被接納,並給予他們重拾快樂的自信…我知道剪個頭並不能解決一個人的問題,但能讓他們心理上在感受好些的地方。」– Joshua Coombes     Joshua Coombes,#DoSomethingForNothing 運動的發起人,他運用自身身為髮型師的技能,上倫敦街頭替街友免費剪髮,希望能透過這樣微小的行動,提昇他們的自信和帶給他們生活上小而正面的改變。     在開始做這件事之前他不知道他可以實質改變什麼,但他知道沒有解決方案並不代表不能開始行動;所以他從能做的事情開始,付出他的時間和關心,並透過分享這些人的故事將這樣的社會問題人性化。當知道一個人的故事時你就會與他產生連結,他不再是一個問題,而是一個個體。     在他開始從事美髮行業時,就意識到人與人之間的互動關係有多麼的重要。當你花時間與一個人相處,花半小時到45分鐘幫一個人剪頭髮,你會對這個人有更多的了解,而他們也會敞開心胸面對你。人與人間的互動是親密而美麗的事。     每件事都應該從自己開始。     #DoSomethingForNothing 代表的不單純是不求回報去做些什麼,而是付出的同時其實你也在獲得。Joshua表示他做這件事不是因為這是對的事,而是這件事會讓他感覺更好,會讓他覺得自己因此成為一個更好的人。     每天花一點時間去實際幫助有需要的人,將會啟發其他人。「如果每個人,在每個城市,都能做一件不求回報的事,那我們就會改變這個世界了。」Joshua Coombes是這麼說的。   這個產業不就是關於啟發他人與分享嗎?不論對象是誰,你都可以 #DoSomethingForNothing。  

B: voyage _ 故事起源

2019-10-22
  在一個正處於高壓力與長期累積的疲勞感的狀態下,與朋友在討論事情與狀況的時候,她說:「妳現在極度需要旅行放鬆一下,要不要乾脆在國慶連假和我一起到瑞典來個三天兩夜的旅遊?」 當下我便立即查詢的抵達斯德哥爾摩的班機時間,然而光台灣飛行橫越北歐就需要超過16小時以上的航行,三天兩夜扣除飛行時間根本僅剩一天半的時間,宛如到當地吃三餐的概念又即刻搭機回台。(註: 友人居住地前往瑞典的飛行時間約莫7小時) 腦中浮現以往的旅行想法都是,好不容易買機票出去一趟不就應該要待至少5天或一個禮拜,甚至遠程的都想待個兩週的想法。然而這個快閃的旅行想法,是從未在我腦海中出現過的概念。 於是覺得好奇,便問朋友是怎麼會有這樣的想法,以及如何克服腦子深根蒂固的「都難得買機票出去了,出去多一點時間比較划算的想法」。她說這個概念是從36 hours 一書得到的靈感,想法與理由很簡單,單純只想把自己脫離現在的舒適圈,去一個從未去過的城市,給自己一點刺激且增廣見聞的機會。 以往的經驗是如果旅行時間拉長,回國時工作上班,卻相對也需要一段時間來適應,似乎好像也沒有真正感受到放鬆。 假使今天是以一個週末的概念,正常放假以外還能快速回到職場上。聽完這個概念後,我突然有一個新的想法與感覺,以前常常會抱怨哪來的時間可以休長假出國,還要安頓好所有的工作才能放鬆去旅行,但追根究底,這些都不該是阻擋我們放鬆的機會。 與其累積長期的壓力,再一次性旅行中釋放抒發,不如讓它是高頻率的排解但長度縮短,反而能夠正常運作身心狀況。 因為我們都知道,當你累積一段長期的壓力後,一次性釋放,僅在初期回國後你會感到清爽,也許這個能量可以支撐半年至一年;但漸漸地在你經過第n次後,旅行回來僅會變成,我越來越不想工作或我好想一直旅行的狀態,怎麼修復都修復不好,周而復始的惡行循環。 也因這一個小小的聊天插曲,我便深刻感受到,此時此刻的我,如不立即出發一趟新旅程,隨時都可能擊潰現在的自己。 於是我便立刻訂了一張翌日前往日本的機票,沒安排確切的旅行行程,僅設定一個目標是之前腦子想很久卻一直沒去的展覽,同時順便去測試自己的日文能力。 旅行首日逛完兩間美術館,深度看了所有的展覽後,內心覺得非常充實,有種即使我明天立刻回台也會覺得值得的感覺,正因為展覽給予的能量太強大,隔日再度安排參觀另一間美術館。 在多次的獨自旅行中,我深刻發現,原來自己喜歡的是有明確目的性的旅行,能讓自己增廣見聞、有吸收性的旅遊,而不是購物、拍照打卡的觀光。回國後,我便興奮不已,迫不及待和朋友分享這趟旅程的收穫,以及推廣這樣有趣的旅行形式。 朋友也說:原本曾未想過要去瑞典做什麼,但得知我從展覽中收穫很多的同時她也開始尋找當地正在展出的展覽活動,吸收新鮮的事物與體驗。   這一小段故事也是生成 B: voyage的成因,其宗旨是想提倡一趟具有啟發性的旅行,至於它是不是符合36小時並不重要,但這趟旅程你必須是能從中得到滿滿的收穫與學習的計畫。        

良人良事 _ James Turrell 的光線藝術

2019-10-22
    「我的作品主要是關於你所看見的而非我所看見的,雖然作品是從我的視覺觀點出發。我對於在空間內的存在感也很有興趣;這是你可以感受到近乎實體存在感的空間 – 一個能讓你有實體感受和力量的空間。」— James Turrell         超過半個世紀以上的時間,美國藝術家詹姆士・特瑞爾(James Turrell)透過運用光線和空間創造出能引發觀者體驗關於人類觀感的極限和想像的藝術作品。他的作品致力於刺激並喚醒人們原始感知的視覺與心理反應。Turrell,一個狂熱的飛行員,飛行了超越12000小時的時間,認為天空就是他的工作室、素材和畫布。     紐約畫評Calvin Tompkins寫道:「他的作品並不是關於光線,或者記錄光線;它就是光線 – 透過感知形式呈現出光線的實體存在。」   Turnell的素材純粹是光線。他說:「我的作品沒有物體、圖像和重點。當沒有物體、圖像和重點時,你在看什麼?你在看你自己在看。對我來說創造一個沒有無言的思考體驗是最重要的。」       當你看著Turnell的作品時,會被緩慢在變化的光線吸引進一個只有你自己和那個光線的時空。如他所描述的,在那個當下除了你和光線的變化之外,腦中的雜訊完全的消失於這個空間中。沒有文字、沒有思考、沒有時間,沒有你,只有光線。       James Turrell 官網